Catalogo de Alfredo Sosabravo.

Pintar una imagen: Virado digital, en photoshop.

En este ejercicio de virados, existe una tabla con todos los valores necesarios para lograr el tipo de virado deseado. La intención de eso es alargar la vida de la fotografía, antiguamente se realizaba añadiendo a la fotografia distintos quimicos que aclararan u oscurecieran la misma.

Para realizar el mismo debemos partir de una imagen en blanco y negro. El virado utilizaado para esta fotografía fue el Virado Sepia, el primero en la tabla de abajo.





Para realizarlo seguiremos los siguientes pasos:
Partimos de una foto en blanco y negro. Utilizamos la herramienta de curvas, (Menu: Curvas: Nueva capa de ajustes)
Cuando la tengamos abierta se modifican los valores de entrada y salida, segun el tipo de virado de la tabla de arriba.
Primero modificamos el color rojo: (Son tres valores por color) se activan los valores, haciendo click en la diagonal e introducimos los siguientes valores: entrada 63. Salida: 100. Le damos OK. Activamos otro punto en la diagonal e introducimos: entrada 127. Salida 165. Activamos otro puntito y queda: Entrada: 191. Salida: 214

Repetimos este proceso con los siguientes colores, buscandolos en Canal. Primero el verde, y luego el azul.
Luego de esto, la fotografía y sus colores quedarán bastante afectados. Así que nos vamos a capas, activamos la capa de fondo, seleccionamos todo, luego nos vamos a edición y le decimos copiar. Y lo pegamos en la capa de máscara de curvas. (No debería verse la foto sino, el cuadrito blanco y el lienzo tambien.) Le damos pegar, luego invertir, y deseleccionamos la capa de curvas. Con esto se anula el proceso de la capa de curvas y los colores no quedan demasiado alterados.

El resultado es el de arriba.

Rostro acuarelado.

Para el truco del rostro acuarelado, en photoshop, es mas largo el proceso, pero no tan complicado.

Primero se duplican las capas del fondo, y se desactiva la vista de las 2 ultimas, se aplica el filtro: acuarela y se ajustan los valores hasta obtener el deseado.Cambiamos el modo a Luminosidad.

Se activa la segunda capa y se aplica el filtro: pincel seco,  y se ajustan los valores. Se cambia el modo a Trama.

Se habilita la copia de la segunda capa, y se aplica el filtro: Ruido (mediana) y se le da un valor de 12. Se ajusta el modo a LuzSuave,.

Y este es el resultado final.

Manipulación de la imagen: restauración.

 Después de varias horas de copiar pequeños espacios donde no habían manchas o imperfecciones, este fue el resultado. 

Usando del programa photoshop, el histograma, se ajustan los niveles de color de la fotografía, para añadir más o menos contrastre, brillo y color. La manipulación hecha, fue de los ajustes de contraste del blanco y negro. 

Luego usando la herramienta clonar, lentamente se comenzó a mejorar la imagen hasta su resultado final. 

Pintura y emociones.

Pintura y madera a posición de que el lienzo fue la segunda opción, la idea principal en sus inicios fue una pequeña espiral monocromática, donde se concibiera esa mezcla de sensaciones que solo se siente una vez en la vida. Cuando sientes odio, pasión, ira, felicidad, esperanza, depresión en una sola hora del día. Para los colores busqué como anteriormente se comentó colores vivos, fríos y cálidos. Azules para el poder, rojos para el peligro, blanco para la pureza, negro para la depresión, purpura para el equilibrio perdido y amarillo para la precaución ¿por que no otros colores? Responderé con una pregunta ¿por que no estos? Son tan indicados como otros para deformar una imagen.

Con respecto a la técnica, en la pintura encontramos formas y líneas. Podríamos decir que es la misma espiral deformada a tal punto de tener una explosión en todas sus letras.

El sentimiento al crearlo fue liberador, al dejar salir todo lo que no podía concebir de otras maneras sino a través de un desorden de líneas, de una deformación de la realidad, de plantear un escape a las presiones, al caos y al mismo desbarajuste y desconcierto con el que vivimos.

Muchos artistas han recorrido ya estos caminos, artistas como Piet Mondrian, Orlando Arias Morales, Paul Klee, Armando Barrios, Jackson Pollock y todos los grandes creadores del arte abstracto.

Puede que para un creador el aprendizaje del arte sea doloroso como es la vida misma, sin embargo lo principal es no dejarse vencer.
No importa que algo salga mal, que se fracase en una disciplina determinada del arte, lo esencial es aprender del golpe y convertir el dolor en arte.

Crear es vivir.

Forma, figura y movimiento.

“Todo lo que se encuentra sobre una superficie tiene un espacio detrás de sí. Dos colores sobre la misma superficie están casi siempre a profundidades diferentes. Un color regular, especialmente si se lo obtiene con la pintura al óleo que cubre la totalidad o la mayor parte de una pintura, es a la vez plano e infinitamente espacial. El espacio es poco profundo en todas las obras en que se acentúe el plano rectangular.”

Donald Judd – Objetos Específicos. (1992)

Dedicarse al estudio del espacio en las obras, requiere el mismo trabajo que interpretar cualquier aspecto semiótico de un cuadro. La participación del espacio al presentar un trabajo plástico tiene tanto peso como un buen fundamento. El uso correcto del espacio es un arte en sí mismo, dado que afecta a la totalidad de la composición del artista. Basado en el volumen, pueden ser imágenes bidimensionales o tridimensionales para dar una ilusión de profundidad y la distancia sobre una superficie plana. A su vez su participación en la obra produce movimiento, sea por efectos visuales, provocados por el uso de colores, o la influencia de procesos naturales, como el viento o la lluvia.

Una de las corrientes artísticas contemporáneas que más se ha dedicado a este estudio, ha sido el minimalismo, a través de formas geométricas simples, métodos de composición matemáticos como la repetición,  crean  objetos que si bien transmiten cierta frialdad objetual, al ser figuras reales y simétricas, rechazando la apariencia y la representación asociadas a la pintura, se alejan de un discurso, de una reflexión o de una interpretación subjetiva, y se fundamentan en la observación directa y su relación con el entorno. Creando de esta manera obras limpias, concretas y armónicas con el espectador y los objetos alrededor.

Este proyecto, tiene aspectos claves del Minimalismo, como la monocromía y el estudio del espacio; a su vez una de las mayores diferencias, es la interpretación subjetiva de la figura representada, que transmita una sensación que vaya más allá de solo la apreciación. La intención de esta obra es que al presentarla en un espacio abierto y a un público, la misma los inunde con una sensación de calma. Que sus curvas ascendientes transmitan serenidad y su monocromía forme parte del espacio y de los objetos que estén a su alrededor.

El uso de la madera se debe a que es un material accesible, modificable; además de esto al provenir de la tierra, posee una característica que nos conecta inmediatamente con la vida. El usar el color de la madera pura, permite de una manera delicada que la incidencia de la luz nos permita ver los diferentes tonos de esta misma, formando una imagen natural y serena.

El emplear un modelo suspendido, le da poder a las fuerzas naturales como el viento o la misma gravedad de actuar sobre el objeto, proveerlo de movimiento y este dar al espectador una sensación de serenidad, al ser un movimiento lento pero continuo.

Uno de los artistas cuyas obras se relacionan con esta investigación, es Donald Judd, pionero del Minimalismo, quien trabaja con el espacio y la realidad, a través de esculturas con figuras geométricas, presenta el espacio como un aspecto íntimo en sus trabajos. Mi punto de relación con Judd, comienza en el uso de figuras simples y el presentarla ante un público para su apreciación espacial y más allá de esto una interpretación desde los sentimientos.

También Claire Morgan, una escultora irlandesa que recrea el movimiento a través de esculturas suspendidas completamente estáticas, realizadas con objetos naturales como plumas, frutas y flores que deja suspendidos de hilos de nylon obteniendo sensaciones de ingravidez o de parada del tiempo con materiales reciclados. La relación con Claire, la encuentro en la búsqueda de recrear el movimiento, a través de la repetición de módulos ordenados en forma de escalera de caracol.

Las esculturas de Eduardo Chillida se erigen en armonía con su entorno, cobrando sentido en función del paisaje. Con materiales industriales, Chillida estudia la interacción de estos con el paisaje y el entorno. En relación a esta obra, me baso en algunos de los elementos principales del trabajo de Chillida, como el interés por sustituir las antiguas obligaciones de la escultura con la naturaleza y específicamente con la figura humana, por el despliegue de una dialéctica abstracta, musical si se quiere, entre lo lleno y lo vacío, la ligereza y la pesantez, el equilibrio y la excentricidad

La obra a presentar consta de 29 varillas de madera, dispuestas a modo de escalera de caracol, suspendida y sujeta con hilos de nylon que nacen de dos puntos opuestos de la madera, esta consta de 2 mts de altura por 48 cm de ancho, sujetas a una base cuadrada que le brinde estabilidad y equilibrio. La madera estará solo barnizada presentando su color natural, de este modo permitiendo a la luz natural incidir y presentar los distintos tonos de la misma, dando una sensación de serenidad.  El hecho de suspenderla consiente a las mismas fuerzas naturales, como las corrientes de viento, también hasta la misma luz,  el brindarle a la obra efectuar un giro, que juega con la óptica.